La Prise éclectique

Dexter : saison 4

darthbob — 2010-11-11T22:38:46Z

La saison 4 de Dexter est une nouvelle fois excellente. Non seulement on ne s'ennuie pas, le suspenses est haletant, mais en plus, on est plongé dans l'abîme de l'esprit de Dexter. Vivement la suite !

ATTENTION : cet article révèle le scénario de la saison 4, ne le lisez pas si vous comptez la regarder.

Nous avions laissé Dexter Morgan, expert de la police de Miami, dans son bonheur familial : marié avec Rita, chargé de famille avec un bébé. Une vie rêvée dans une maison coquette, avec un travail stable, des collègues sympathiques et une sœur adorable.

Oui, mais Dexter n'a pas changé. Il est toujours soumis à ses pulsions de mort. Il profite de son emploi dans la brigade criminelle pour débusquer les criminels impunis. Il se charge alors de les tuer discrètement, selon sa macabre méthode.

La saison 4 prolonge l'histoire incroyable de ce personnage à double face. Toujours souriant, parfaitement intégré socialement mais profondément perturbé, il parle sans cesse à son défunt père, qu'il voit, tel un fantôme, lui donner de bons conseils ou le détourner de ses propres choix.

Le tueur qui n'existe pas

Frank Lundy , l'ancien agent du FBI (et ancien amant de Debra) débarque soudainement à Miami, après deux ans d'absence. Il est sur la piste d'un serial killer que lui seul connaît. Il l'a surnommé le Tueur de la Trinité car il suivrait un schéma étrange et répétitif.

Il tue d'abord une jeune femme dans sa baignoire, en la vidant de son sang, puis tue une femme d'âge plus mur, mère de deux enfants, en la jetant d'un immeuble et enfin bat à mort un homme croisé dans la rue. Ces trois meurtres ne sont jamais reliés entre eux, du fait qu'aucune trace n'est laissée et que les meurtres des deux femmes sont toujours classés en suicide. Lundy a détecté des séries de trois crimes identiques dans tous les États-Unis, sur pratiquement trente ans, mais n'a jamais pu ouvrir officiellement d'enquête.

Dexter, chargé d'expertiser la mort d'une femme dans sa baignoire, est mis au courant par Lundy et se demande si ce Trinité ne ferait pas une proie de choix pour ses activités nocturnes.

Serial killer au bord de la crise de nerf

L'histoire s'emballe soudainement pour ne jamais s'arrêter jusqu'au dernier épisode. Car Debra et Lundy se font tirer dessus dans un parking, au petit matin. C'en est trop pour Dexter qui décide de s'occuper de cette affaire, qui semble reliée à Trinité.

On assiste alors à un enchevêtrement d'actions menées par Morgan pour à la fois remonter jusqu'à Trinité, écarter sa sœur de la piste qu'elle semble vouloir suivre et donner le change à la fois à Rita et à ses collègues…

C'est qu'il est épuisant de s'occuper d'une famille avec un bébé ! Surtout quand celui-ci ne fait pas ses nuits ou tombe malade. Rita est impitoyable et ne lâche pas son mari d'une semelle. Elle met sa crédibilité en doute, piste ses mensonges, le pousse dans ses retranchements et le met au défi d'être un bon père, un bon mari et un bon citoyen !

Certaines scènes sont excellentes, lorsqu'on voit Dexter au bord de la crise de nerf, obliger de se détourner de ses pulsions de chasseur pour redevenir le papa attentionné ou le voisin responsable que Rita demande qu'il soit !

Trinité, le futur de Dexter ?

L'habileté du scénario conduit Dexter à côtoyer Trinité. Celui-ci est un père de famille, travailleur, pasteur engagé dans des actions humanitaires. Il s'est construit une vie en tout point parfaitement normale, vue de l'extérieur, comme l'a fait Dexter.

Mais, il perpétue ses meurtres sur des victimes totalement innocentes pour des raisons obscures. Cela révulse totalement Dexter qui refuse de se comparer à ce personnage. Lorsqu'il s'aperçoit qu'il est tyrannique avec sa famille, violent et haineux, il n'a qu'une idée en tête : l'éliminer.

Le père de Dexter devient envahissant et harcèle Dexter en lui disant qu'il a la démonstration que sa propre vie ne pourra que tourner au fiasco, sur l'exemple de Trinité. Il lui dit sans cesse de quitter Rita, de s'éloigner des enfants pour redevenir un loup solitaire et ne pas attirer l'attention, ne pas risquer de blesser des innocents.

Le fils est alors totalement perdu et commet de graves erreurs. Il perd les pédales. Il parvient même à enfreindre le code de Harry qui lui ordonne de ne tuer que des malfaiteurs à coup sûr. C'est la première fois que la vie de Dexter est près de basculer totalement.

Une fin surprenante

Mais, tel Jack Bauer dans 24, Dexter parvient, dans un élan insoupçonné et aussi par une chance incroyable, à ne pas se faire prendre et à retrouver Trinité. A son grand étonnement, il surmonte la déception d'avoir failli face au code, retrouve assez de force et de lucidité pour tenter de remédier au problème Trinité.

Le dernier épisode de la saison 4 est incroyable. Pour clore l'histoire, Dexter fait preuve d'audace et de ruse pour surprendre son ennemi et le tuer, au moment où celui-ci s'échappait de Miami pour retrouver la clandestinité et refaire sa vie ailleurs.

Dexter retrouve son calme. Il s'est débarrassé à la fois du corps et de tous les doutes qui le rongeaient. Il veut rester ce qu'il est devenu. Son camouflage lui convient parfaitement car il désire le bonheur de Rita et des enfants. Même s'il est incapable d'avoir de vrais sentiments, il aime la vie qu'il mène, il veut qu'elle dure très longtemps, même si tout n'est que mensonge et que le risque de tout gâcher est énorme.

Survient le choc final qui envoie Dexter (et les téléspectateurs aussi) totalement au tapis. Trinité a réussi un coup de maître juste avant de s'enfuir, au nez et à la barbe de celui qui le chassait, entrant dans sa propre maison…

Tout est une nouvelle fois remis en question dans la vie de Dexter. Ses activités malsaines ont, comme le prédisait son père, fait des victimes innocentes dans sa famille. Dexter revit alors une scène qu'il enfouissait dans sa tête mais qui le rongeait comme elle avait rongé l'esprit de son frère.

Que va devenir la famille de Dexter ? Que va devenir son bébé, miraculeusement sauf du carnage mais sûrement traumatisé ? Comment Dexter va-t-il se sortir de ce mal qui le ronge sans finir en prison ?

Beaucoup de questions restent en suspens, mais on en peut que se douter que la vie de Dexter ne sera qu'une succession de drames. Peut être que la seule conclusion logique de cette vie mauvaise est une mort rapide pour éviter que le mal dévore les derniers membres de la famille Morgan ?

Dexter (USA)
Série TV créée par James Manos Jr
Saisons : 5
Principaux acteurs :
Michael C. Hall,
Julie Benz,
Jennifer Carpenter,
Erik King,
Lauren Vélez,
David Zayas,
James Remar
Keith Carradine

12 and holding

darthbob — 2010-08-31T20:39:00Z

Grâce à ARTE, on peut visionner des films inconnus qui sont de petits trésors, touchants, audacieux et inspirés. C'est le cas de « 12 and holding », un film indépendant américain qui aborde le thème du passage de l'enfance à l'âge adulte.

Si vous n'avez pas vu le film, ne lisez pas ce qui suit. Je dévoile l'histoire et vous passeriez à côté de la découverte d'un beau moment de cinéma.

L'histoire

A partir d'une trame mille fois vue, le réalisateur installe les protagonistes de l'histoire : une bande de gamins d'une douzaine d'années, trois garçons et une fille, sont inséparables. Ils jouent ensemble dans une cabane perchée en haut d'un arbre. Cet endroit est leur repaire réservé qu'ils gardent jalousement.

Rudy et Jacob sont jumeaux. Bien que se ressemblant parfaitement, Jacob est le seul à être affublé d'une marque de naissance qui défigure la moitié de son visage. Rudy est aussi sûr de lui et extraverti que son frère est timide et complexé.

Leonard est un garçon émotif et obèse. Il n'arrête pas de manger… Il est issu d'une famille nombreuse élevée par des parents également obèses, pour qui la nourriture est un des éléments les plus importants de la vie.

Malee est une adorable gamine d'origine asiatique qui gravite autour des garçons. Elle vit seulement avec sa mère et parait un peu perdue. Son papa lui manque terriblement. Elle est la première à ressentir que l'enfance se termine.

Un choc terrible et dévastateur

Tout ce petit monde vaque à ses préoccupations habituelles comme faire des blagues, regarder le feu d'artifice de la fête nationale, déguster un barbecue… Comme chaque été, les vacances sont la période idéale pour prendre du bon temps entre amis.

Mais, une dispute entre eux et deux garçons vindicatifs dégénère rapidement. La cabane est le centre de la polémique et les amis doivent la défendre contre les agresseurs.

C'est alors que Rudy meurt brûlé dans l'incendie provoqué par un cocktail molotov qui détruit l'abri perché. Les deux gamins ignoraient que la cabane était occupée cette nuit-là par Rudy et Leonard. Ils sont arrêtés et mis en centre de redressement pour un an mais le mal est fait.

Sans mièvrerie ni spectacle lacrymal, Michael Cuesta décrit l'infinie tristesse des familles et des proches. L'incompréhension des enfants face à la mort est montrée avec subtilité et retenue : mutisme, déni, colère…

La bascule vers le monde des adultes

Chacun à leur façon, les trois survivants vont basculer dans la réalité de la vie. Cela peut paraître banal ou simpliste mais ce n'est pas le cas dans « 12 and holding ».

Le frère jumeau, désormais fils unique, est totalement désemparé. Il culpabilise de ne pas avoir accompagné son frère cette nuit-là. Rudy, si fort, si beau, si charismatique, devait-il mourir ? N'était-ce pas lui qui devait périr dans l'incendie ? Lui, si faible et si insignifiant.

Il est terrible de voir que cette culpabilité est renforcée par chaque phrase prononcée par ses parents, chaque geste qu'ils font ou ne font pas envers lui. Les yeux de Jacob (interprété magnifiquement par Connor Donovan) font passer toute la détresse du garçon, persuadé que Rudy restera à jamais le fil chéri et lui le fils de second choix, le boulet de la famille.

Un fossé se creuse irrémédiablement avec les parents, maladroits, envahis d'un chagrin insurmontable, aveugles au désespoir de leur fils. Jacob doit gérer seul sa peine, sa culpabilité et le manque de preuve amour et de soutien.

De son côté, leonard, blessé dans l'incendie, est atteint d'anosmie, c'est-à-dire la perte totale du goût. Est-elle physique ou psychologique ? Peu importe. Il ne se nourrit plus que de pommes et refuse tous les plats qu'il adorait par le passé.

Ses parents désespèrent de ce fils qui a changé et semble refuser l'éducation et l'amour qu'ils lui prodiguent. Quelque chose s'est cassé en lui. Il commence à réfléchir à sa vie, à ses envies de manger qu'il ne ressent plus du tout.

Enfin, Malee (excellente Zoe Weizenbaum) porte le deuil de Rudy. Elle se cache derrière un voile noire, telle une jeune fille désespérée. Sa mère lui donne des conseils qu'un psy donne à ses patients : « tu peux pleurer ma fille » mais ne la console pas, ne la caline pas, ne la soutient pas.

Alors, la fillette se découvre femme. Avec l'apparition de ses premières règles, tout son univers change. Est-ce pour éviter de penser à Rudy ? Elle commence à se préoccuper de sujets plus sérieux qu'auparavant, moins innocents.

Un film risqué et audacieux

Le réalisateur filme l'histoire que ces trois enfants vont vivre durant cet été tragique. Peu à peu, chaque décision qu'ils vont prendre va les éloigner de leur enfance et les rapprocher de la vie adolescente, quasiment adulte.

Subtilement, alors que chacun s'interroge sur sa propre vie et semble se séparer des autres, subit une transformation initiatique, aussi physique (puberté, sensualité, force...) que psychique (prise de décision, réflexions, appréhension de l'avenir, notion de vie et de mort...). La mort de Rudy les marque à jamais, agit comme un détonateur au milieu d'un paquet de TNT.

Michael Cuesta prend des risques. Il aborde des sujets qui auraient pu rendre son film racoleur ou vulgaire. Mais il parvient à conserver un équilibre constant entre la force du récit et le réalisme des scènes. Grâce à une très bonne direction d'acteurs, les personnages sont crédibles : autant les enfants que les adultes qui les entourent.

Ainsi, Jacob a une telle obsession de la mort de son frère qu'il décide de rendre visite régulièrement à ses agresseurs. Ils les insulte, leur promet de les tuer. Comme ils ne reçoivent aucune visite, ils acceptent de le rencontrer pour sortir de la cage misérable et dangereuse où ils sont enfermés.

Le suicide d'un des enfants n'arrête pas Jacob. Il s'obstine à voir le meurtrier de Rudy et l'amène à échafauder une fugue tous les deux, loin de leur existence malheureuse.

De son côté, Leonard , encouragé par son professeur de sport, se met au régime et surtout, au sport ! Son corps se transforme en même temps que son esprit. Il réfléchit, commence à juger ses parents et ses frères et sœurs. Il se permet de jeter les friandises d'Halloween à la poubelle !

Ce sacrilège est une insulte terrible pour sa mère. Elle ne le supporte plus. On devine, qu'elle voit son fils comme un miroir déformant. Chacune des décisions de son rejeton reflète ses propres choix qui la mènent à l'obésité.

Malee trouve également une personne pour se confronter à la réalité et à ses propres doutes. Elle jette son dévolu sur Gus, un trentenaire, patient de sa mère, psychiatre. Elle écoute les séances qui se déroulent au cabinet de sa maman et, par ce biais, parvient à nouer une relation avec lui.

Pour lui plaire, elle apprend à se maquiller, à s'habiller, à cuisiner des pique niques. Comme il ne la repousse pas, elle imagine une histoire d'amour entre eux et veut le conquérir. Le jeune homme, hanté par des cauchemars dont on ignore la teneur, semble être aveugle à ce jeu.

Une fin, comme un nouveau départ

Au fur et à mesure, les trois enfants s'engagent dans une démarche quasi suicidaire : fugue, privation de nourriture, histoire d'amour vouée à l'échec. Comme une fuite de l'enfance et du destin tracé par leurs parents : manque d'amour, éducation bancale, solitude…

Les parents de Jacob adoptent alors un jeune garçon noir qu'ils accueillent en leur foyer. Leur fils prend cette décision comme la volonté délibérée de ses parents de remplacer Rudy puisqu'il est indigne de leur amour et n'est pas à la hauteur de son jumeau.

Il ne parvient pas à oublier Rudy, à diminuer sa culpabilité. Pour lui, la seule chose à faire est de tuer le meurtrier de son jumeau. Pourquoi ? Même si rien n'est expliqué, on peut deviner que jacob cherche à se prouver qu'il est aussi fort et courageux que Rudy. Peut être s'imagine-t-il que c'est ce que Rudy aurait fait pour lui ?

De son côté leonard profite qu'il se retrouve seul avec sa maman pour quelques jours pour la séquestrer au sous-sol de la maison familiale. Il l'oblige à manger équilibré : fruits, eau minérale, légumes… Il veut lui ouvrir les yeux, la sauver malgré elle !

Après être passé prêt de la catastrophe, leonard n'est finalement encore qu'un gosse et parvient à atteindre le cœur de sa maman. Il établit un contact physique et mental avec elle (un regard, une parole, deux mains qui se serrent). Avec soulagement, il est écouté et compris. Sa mère réalise enfin qu'il n'est plus un petit bébé qui ne réclame qu'à manger.

Enfin, Malee va jusqu'au bout de son rêve romantique. Elle est au bord de la catastrophe également. Mais, l'homme qu'elle aime refuse ses avances et contacte sa maman. Celle-ci est si abasourdie qu'elle ne comprend pas la situation.

C'est alors que Gus lui dévoile ses cauchemars personnels et lui explique ce qui l'a poussé à agir pour le bien de Malee. La mère se remet en question, comprend qu'elle doit accepter que sa fille grandisse, qu'elle éprouve des besoins personnels différents des siens, comme voir absolument son père.

L'histoire de Jacob se termine sous un orage d'été diluvien. La pluie lave les doutes, les peurs et les démons pour laisser un garçon qui, peut être, acceptera sa différence, son nouveau frère et ses parents tels qu'ils sont, sans les voir par les yeux de Rudy.

Leonard passe de la lumière blafarde de l'hôpital à celle d'un midi ensoleillé, attablé pour le repas avec toute sa famille. Peut être ses choix d'hygiène de vie seront-ils bénéfiques pour ses parents et surtout ses frères et sœurs ? Peut être se laissera-t-il guider définitivement par son cerveau plutôt que son estomac ?

Enfin, l'obscurité de la nuit où Malee a presque commis l'irréparable laisse place à une belle journée d'été. Sa maman et elle roulent vers la ville de son père, pour enfin le revoir après tant d'éloignement. Peut être découvrira-t-elle les vraies raisons de cette séparation ? Peut être se persuadera-t-elle qu'elle n'en est absolument pas responsable ?

C'est donc sur une note à la fois optimiste et tragique que s'achève « 12 and holding ». L'enfance qui se termine laisse place à l'espoir d'une vie d'adulte qui démarre.

L'auteur semble nous démontrer que la vie idyllique et innocente des enfants peut être surpassée par la vie d'adulte. Car cette dernière, même si elle contient son lot de tristesse et d'angoisse, donne la possibilité de faire ses propres choix, de se construire et de s'ouvrir aux autres.

12 and holding (USA, 2005)
Titre original : Twelve and Holding
Réalisé par : Michael Cuesta
Principaux acteurs :
Conor Donovan,
Jesse Camacho,
Zoe Weizenbaum

Là Haut

darthbob — 2010-01-19T20:30:29Z

Pixar signe un nouveau bijou avec « Là-haut » : beauté, humour, et surtout émotion. Le film réussit le pari de nous faire vivre une belle histoire et d'aborder des thèmes plus adultes que d'habitude. Du grand art !

Une introduction en forme de chef d'œuvre

Dès les premières images, Pixar place la barre très haut. Il s'agit en quelques minutes de résumer la vie de Carl, personnage principal. Alors qu'il est enfant, il est passionné par l'aventure. Son héros se nomme Charles Muntz, explorateur et inventeur. Il découvre un monde secret en Amérique du Sud d'où il ramène le squelette d'un oiseau légendaire, de grande taille, qui le fait passer pour un imposteur aux yeux du monde entier.

Carl rencontre alors une petite fille, Elli, qui partage sa passion. Leur rencontre est un coup de foudre. Devenus adultes, ils se marient et projettent de fonder un foyer plein d'enfants. Tout cela est présenté avec humour, beauté et sensibilité.

Le réalisateur résume la suite de leur vie, traversée de joies et de peines. L'impossibilité de devenir parents. L'impossibilité de concrétiser leurs rêves d'enfants par manque d'argent. Les scènes de la vie courante s'enchaînent, comme on feuillette un album de photos jaunies.

La tendresse, l'émotion est palpable à chaque séquence. On sent que les auteurs ont choisis de porter à l'écran toute l'intensité des rêves des personnages. On oublie qu'ils sont un dessin, une image créée de toute pièce. L'émotion s'accroît à mesure que l'on feuillette leur vie, qu'ils vieillissent, jusqu'à la disparition de Elli.

La rencontre

Carlse retrouve alors seul, vieil homme de 78 ans, coincé dans sa maison, au milieu de la ville en pleine construction de gratte ciels. On mesure le décalage d'une personne âgée, au soir de sa vie, incapable de s'adapter au monde qui l'entoure.

Surgit alors devant sa porte Russel, un petit garçon obèse, d'origine asiatique, rêvant de devenir scout d'élite… Irrité par l'entêtement du gamin à vouloir l'aider pour obtenir une médaille « d'aide aux personnes âgées », Carl le chasse en lui demandant de le débarrasser d'un oiseau (imaginaire) qui saccage son jardin.

Cette rencontre improbable, entre deux personnages totalement contraires est très amusante. La psychologie de ces deux forts caractères est fouillée. On est totalement pris dans l'histoire !

Le voyage

Pour échapper à la maison de retraite et la saisie de sa maison, le vieil homme a l'idée saugrenue de se sauver. Pour cela, il accroche des milliers de ballons, gonflés à l'hélium pour soulever sa demeure dans les airs et la faire voyager jusqu'en Amérique du Sud.

Le but de ce voyage extraordinaire est d'installer son logis au bord du lieu préféré de son épouse : une cascade extraordinaire. Il espère ainsi réaliser le rêve d'enfant de sa défunte femme et y terminer sa vie.

Bien sûr, tout ne se passe pas comme prévu et Russell, le jeune scout s'est invité et doit accompagner le vieil homme, qui a du mal à le supporter.

Des animaux incroyables

Le film est peuplé d'animaux extraordinaires : D'un côté l'oiseau rare qui existe bel et bien. Aussi futé que taquin, celui-ci est un mélange d'autruche, de perroquet et de dodo. Il personnifie la volonté du petit garçon de sauver toute vie sur Terre et la volonté du vieil homme de faire vivre le rêve de sa femme !

De l'autre côté, le méchant chasseur d'oiseau est épaulé par une armée de chiens dressés, capables de parler grâce à un collier spécial. Cela permet de savoureux dialogues entre chiens qui sont extrêmement bien vus.

Doug, un des chiens est toutefois attendri par l'oiseau et décide de le sauver. Les scènes où il parle à son nouveau maître, le vieil homme, sont très drôles. A la manière d'Alain Chabat dans « Didier », chaque expression canine est exagérée par la voix qui sort du collier !

Une aventure tout public palpitante

Comme « Cars » et « Toy story », « Là Haut » est une aventure rocambolesque vécue par des personnages fantastiques. On ne s'ennuie pas une seconde. Les scènes s'enchaînent de façon fluide et claire. Aucun temps mort.

Bien sûr, la fin est forcément un « happy end », c'est la loi du genre ! Mais on prend plaisir à la suivre jusqu'au bout car les gags sont bien trouvés et saupoudrés avec parcimonie.

Finalement, Pixar réussit l'exploit de faire vivre une aventure avec pour héros une personne âgée. Ce pari, rarement vu dans un film d'animation, est pleinement réussi.

Il permet à tous les publics de se retrouver : les enfants pour les personnages et l'humour, les parents pour l'aventure à partager avec eux et surtout les grands parent qui trouveront matière à discuter avec leurs petits enfants du temps qui passe, de leur propre jeunesse et de leurs rêves d'enfant !

Encore une fois, bravo Pixar pour ce chef d'œuvre d'une belle sensibilité et d'une originalité qu'on aimerait voir dans les productions pures Disney !

Là-haut (USA, 2009)
Titre original : Up
Réalisé par : Pete Docter, Bob Peterson
Production : Disney Pixar

2012

darthbob — 2010-01-17T16:18:26Z

Vous avez aimé « le jour d'après » ? Vous allez adorer « 2012 » ! Quelle claque ! Une débauche de scènes ahurissantes dignes des meilleurs parcs d'attraction.

Suivez les traces du « Jour d'après »

« 2012 » commence de la même façon que « Le jour d'après ». Un scientifique découvre qu'une catastrophe imminente va bouleverser la planète. Il tente alors de secouer le cocotier présidentiel américain… et y parvient sans trop de problème !

On entre alors de plein fouet dans une course contre la montre. Peu importe la crédibilité des propos, l'explication technoscientifique, on fonce avec les personnages vers la catastrophe annoncée. Que va-t-il se passer ?

Bien sûr, on a droit à la présentation des personnages principaux : un écrivain raté (John Cusack) qui fait office de chauffeur de luxe, séparé de sa femme et de ses deux enfants, qui l'ignorent superbement. Ca sent la famille américaine à plein nez, mais on commence à en avoir l'habitude…

Du coup, je me suis demandé : « est-ce le remake du Jour d'après » ? Roland Emmerich aurait-il osé ?

Agrippez vous à votre siège : c'est la fin du monde

Et puis non ! Bon sang, lorsque les premiers tremblements de terre interviennent à Los Angeles, c'est le coup d'envoi de scènes d'anthologie. L'écrivain embarque sa famille et le compagnon de sa femme dans sa voiture de fonction pour se sauver de la ville en pleines secousses.

On s'y croirait ! Les crevasses se forment sous nos yeux, avalent les camions comme on avalerait des cacahuètes à l'apéro ! Les immeubles se cassent la figure comme des châteaux de cartes. A tombeau ouvert (ha ha ha !) le héros file à travers le chaos pour rejoindre un hypothétique aéroport et filer du guêpier.

L'autre scène ahurissante est une fuite en avion de Las Vegas qui est prise de tremblements ! L'avion effectue des acrobaties insensées pour échapper aux monuments qui sont propulsés vers lui par l'activité sismique phénoménale.

Enfin, la dernière scène étonnante est l'explosion d'un volcan en plein parc national. A ce titre la performance d'acteur de Woody Harrelson est au moins égale à la performance technique de la scène. Quel régal ! Quelle émotion ! C'est comme se prendre un rocher de 150 tonnes à travers la gueule ! Bah en fait, c'est exactement ça !!

Une deuxième partie moins réussie

Ensuite, une fois que les héros s'échappent des zones les plus actives de la planète, ils se dirigent vers un lieu où ils pourraient trouver refuge. Sans dévoiler l'intrigue, de riches malins ont mis à profit les quelques mois passés pour trouver un moyen d'en réchapper.

Là, on rentre dans l'à peu près et la bande dessinée. Certes, les moyens techniques sont impressionnants mais on reste sur sa faim. L'intrigue est sans surprise même si certains personnages sont vraiment bien vus (le riche ukrainien et sa famille surtout !)

Du coup la conclusion du film se suit sans réel intérêt. Quoi qu'il arrive, on sait qu'on ne retrouvera pas le choc du début. Mais finalement, peu importe, c'était un bon moment de cinéma.

2012 (USA, 2009)
Réalisé par Roland Emmerich
Principaux acteurs :
John Cusack
Chiwetel Ejiofor
Amanda Peet
Oliver Platt
Thandie Newton
Danny Glover
Woody Harrelson

Avatar

darthbob — 2009-12-22T18:16:18Z

Le film de James Cameron est une splendide démonstration du savoir faire technique actuel. Nul doute qu'il constitue une étape cruciale dans une nouvelle ère cinématographique. Toutefois, il lui manque un je-ne-sais-quoi pour en faire un chef d'œuvre. Un scénario sûrement ! Mais surtout de l'émotion.

Des prouesses visuelles

Lorsqu'on assiste au spectacle d'Avatar en salle, en 3D éventuellement, on en prend plein les yeux, les oreilles et le cerveau. James Cameron a mis le paquet pour que le spectateur bénéficie d'effets spéciaux hallucinants : décors de jungle somptueux, animations d'animaux et de personnages sans défaut, trouvailles féeriques en tout genre…

La planète Pandora est une merveille, une explosion de couleurs, de myriades de couleurs qui scintillent, illuminent, clignotent, irradient à travers la jungle. On ne peut qu'être admiratif devant tant de beauté. Est-ce là le paradis ?

Le réalisateur répond Non ! Ce paradis peut être l'enfer car il recèle de milliers de pièges : prédateurs, animaux furieux, chausse-trappes… Le danger peut venir de partout : du ciel, des arbres, de la terre.. et même des humanoïdes (les Na'vi) qui peuplent la planète, prompts à vous empoisonner de leurs belles flèches impitoyables.

Face à cette beauté naturelle, se dressent les hommes, venus de la Terre pour s'empiffrer du trésor enfouie dans les entrailles de Pandora : un obscur minerai (l'Unobtainium) qui rend les hommes littéralement fous, assoiffés de pouvoir et d'argent.

L'environnement des hommes est métallique, automatisé, gris. On voit les véhicules, les robots, les hélicoptères avec moult détails impressionnants. On s'y croirait ! Lorsqu'il faut partir en mission de reconnaissance ou combattre, impossible de voir le moindre défaut dans les effets spéciaux numériques !

Un scénario ? où ça ?

Bref, James Cameron a réussi son premier pari : rendre crédible une planète et tout un univers grâce aux images de synthèses, aux animations numériques et autres calculs par ordinateur.

Mais cela suffit-il ? Non ! Il aurait fallu aussi prévoir un scénario.

Car Avatar pêche par son histoire classique des méchants envahisseurs contre les gentils indigènes ! Le scénario est linéaire, sans aucune surprise. On devine tout de suite le rôle exact de chaque personnage : le gentil, la gentille, les amis, les ennemis.

James Cameron nous refait même le coup des cow-boys et des indiens. Les Na'vi sont l'exacte réplique new age des indiens d'Amérique. Les Terriens jouent le rôle des cow-boys assoiffés de pépites d'or.

En fait, en y réfléchissant bien, c'est un remake du magnifique « Danse avec les loups » de Kevin Costner ! L'histoire d'un cow-boy qui s'immerge dans le monde des indiens, qu'il est sensé combattre. Puis il se lie avec une indienne et combat contre les envahisseurs…

Cette photocopie de récits déjà vus empêche le spectateur (moi en l'occurrence) de réellement s'attacher aux personnages et au propos. Lorsqu'on connaît la suite, à quoi bon ! Certes, dans Titanic, Cameron avait réussi son pari en intéressant les spectateurs alors que la conclusion du film était inéluctable, mais il avait travaillé le scénario pour en faire un Roméo et Juliette à suspense !

Ici, en fait de Roméo et Juliette, cela sonne un peu creux. Peut être la faute aux personnages de synthèse ? Bien que tout soit nickel et sans défaut, cela manque de piment, d'émotion, ce je-ne-sais-quoi que l'on retrouvait dans l'œil de Kate Winslett ou le sourire de Di Caprio… Dommage !

Des fioritures écologistes new age

Pour être dans l'air du temps, le réalisateur a cru bon de distiller quelques arguments écologistes de bon ton. La mode étant au « sauvons la planète », il assène des messages politiquement corrects du type « Vous les terriens vous avez tué votre Mère ! ». Non seulement on le voit arriver avec ses gros sabots, mais cela sonne creux !

Quelques scènes sont réussies, car elles rappellent les coutumes de certains indiens (rendre hommage à la proie que l'on a tué par exemple) mais d'autres semblent sorties de délires new age comme la cérémonie de résurrection où les Na'vi entament une espèce de mélopée sur fond de lumières stroboscopiques.

J'aurais aimé plus de retenue, plus d'émotion et moins de tape à l'œil. Certes les créatures de Pandora sont sensées vivre en symbiose, faire un tout, mais du coup ils ressemblent plus à des adorateurs fanatiques ou à des membres d'une sorte de secte du Temple Solaire.

Quelques scènes magnifiques

Après ces déceptions, il reste quand même quelques scènes magnifiques. Celle qui m'a le plus touché étant la scène du choix de l'animal qui vole par le héros (le banshee) , suivi du voyage dans les airs.

Là, James Cameron a réussi à allier suspense, émotion et spectacle. Je me suis réellement retrouvé à califourchon sur l'animal à voler en compagnie des héros. Lorsqu'on a toujours rêvé de voler comme un oiseau, cette scène ne peut que faire mouche !

Les scènes de découverte de la faune et de la flore de Pandora sont également excellentes. Le personnage principal laisse libre cours à ses pulsions : chatouiller les plantes qui réagissent, s'illuminent… On est immergé dans Pandora, comme on aurait l'avoir été pendant toute la durée du film.

Pour finir, dans un tout autre registre, j'ai été bluffé par les scènes mettant en avant la technique des Hommes : ordinateurs, écrans, appareils en tout genre ! Quelle inventivité et quelle crédibilité ! J'en bavais d'envie !

Un mot sur la 3D

Avatar est diffusé en salle en 2D (classique) et en 3D pour les cinémas qui en sont équipés. C'était donc l'occasion de se frotter avec ce système de vision 3D avec lunettes spéciales.

Quelle déception ! J'ai été obligé de porter des lunettes lourdes et encombrantes par-dessus mes lunettes de vue pendant 2h30 ! C'est une calamité. Elles glissaient et finissaient par me faire mal au nez…

De plus, l'angle correct de vision était faible. Il suffisait de bouger la tête de quelques degrés à gauche ou à droite et même en haut ou en bas pour perdre la 3D ! Je me suis donc astreint à ne pas trop bouger pendant le film, ce qui s'est révélé trop difficile pendant les passages les plus longs.

En plus, cela n'apporte pas grand-chose à Avatar. La 3D n'a pas été utile à mon sens car il y a peu de choses surprenantes. Quelques effets de profondeur c'est tout.

Je regrette donc amèrement cette expérience 3D. Elle m'a gâché le film en me sortant de l'histoire à plusieurs reprises. J'ai même fini par avoir mal aux yeux à force de les écarquiller. La 3D est à réserver aux films plus courts et réellement faits pour surprendre le spectateur…

Conclusion

Avatar est un film moyen qui fera date pour l'animation et les effets spéciaux mais sûrement pas pour les qualités qu'on attend d'un film : scénario, suspense, émotion. Il est à voir au cinéma (en 3D si vous aimez) car il exploite le potentiel des salles modernes mais ne laisse finalement pas un souvenir impérissable. Dommage !

Avatar (USA, 2009)
Réalisé par James Cameron
Musique de James Horner
Principaux acteurs :
Sam Worthington
Sigourney Weaver
Michelle Rodriguez
Zoe Saldana
Wes Studi
Peter Mensah
Joel Moore
CCH Pounder

Cloverfield

darthbob — 2009-11-29T20:25:36Z

Encore un film de monstre détruisant une ville ? Certes, mais vu sous un angle original, si on peut dire. Puisque « Cloverfield » est monté comme une bande vidéo amateur, retrouvée dans les décombres de New York, après le passage d'un monstre gigantesque.

Souriez, vous êtes filmés

Installez vous confortablement dans votre fauteuil, mettez le DVD ou le Blu-Ray dans la platine, éteignez les lumières et plongez vous dans l'ambiance concoctée par le réalisateur. La bande vidéo confidentielle que vous allez visionner commence par des scènes banales de la vie amoureuse d'un couple de trentenaires new yorkais.

Puis, on assiste à une soirée organisée dans un appartement d'un grand immeuble. Parmi les invités, un ami prend la caméra et présente les protagonistes de l'histoire. Chacun y va de son anecdote, ses vœux à l'homme qui fête son départ vers le Japon. C'est banal, presque pénible tant il n'y a rien à dire sur ce passage introductif…

L'objectif est bien sûr de nous plonger dans l'ambiance et de nous faire accepter le principe du film : les images sont tournées par les personnages eux-mêmes, dans les conditions réelles de l'action (éclairage, bruitage, mouvements, chocs et autres événements indésirables).

Il s'agit d'une reprise de la technique qui a fait le succès de « Blair Witch » avec beaucoup plus de moyens ! Le nombre de personnages qui vont passer devant la caméra et les effets spéciaux sont sans comparaison avec Blair Witch ! Le budget de « Cloverfield » est conséquent, et ça se voit.

Soudain, la lumière s'éteint

En plein milieu de la fête, un grand bruit se fait entendre dans la ville. Les lumières s'éteignent brièvement. L'inquiétude se lit sur les visages des fêtards. Que se passe-t-il ? Quelqu'un a-t-il une explication ? Par la fenêtre, des lumières se distinguent au loin, tout le monde monte sur le toit pour mieux voir.

L'action démarre à ce moment-là. Lorsque les personnages décident de monter les escaliers vers le toit, à toute vitesse, sans trop réfléchir. On est pris dans la foule en même temps qu'eux et on parvient à oublier la caméra.

Car il n'est plus question de réfléchir. Tout le monde comprend que quelque chose d'incroyable se produit. Des explosions sur les immeubles, de plus en plus proches, créent la panique. Tout le monde se précipite dans la rue, pour fuir et chercher des informations.

Cette première partie du film est réussie. L'effet de surprise crée un suspense grandissant. Les effets spéciaux sont bien menés. Lorsque le morceau de la statue de la Liberté vient atterrir en pleine rue, cela donne une grande claque aux spectateurs !

On comprend vite que la suite des événements ne sera qu'une longue fuite pour échapper au danger mortel qui assaille la ville. Si on évite de se dire que le personnage qui filme ferait bien de laisser tomber sa caméra pour courir plus vite, on est totalement pris par « Cloverfield »

Des monstres partout

Après moult rebondissements, interventions de l'armée, les héros se retrouvent bloqués dans le métro newyorkais. On assiste alors à la seconde partie du film qui consiste à un environnement hostile et sombre rappelant les jeux vidéos à la troisième personne.

Le monstre qui attaque la ville laisse en effet tomber à terre des créatures de la taille d'un gros chien qui attaquent les humains. L'objectif pour les personnages est de sortir rapidement du traquenard en restant vivant !

Le suspense est bien mené même si il est desservi par la caméra subjective. Car c'est à double tranchant : on perd en réalisme ce qu'on gagne en surprise. L'objectif de la caméra ne parvient pas à capter toutes les images des créatures, du fait des mouvements désordonnés du type qui filme alors on aperçoit plus qu'on voit l'action.

Mais, en contrepartie, il est tout de même difficile de croire qu'en cas d'attaque, celui qui filme a suffisamment de sang froid pour conserver la caméra en main, coûte que coûte ! Il y a longtemps que j'aurais arrêter de filmer, tant pis pour le « témoignage » que représente le film !

Un final en forme de feu d'artifice

La dernière partie du film est introduite par l'irruption des héros dans un hôpital de campagne de l'armée américaine, établi dans le sous-sol du métro. La caméra nous montre des soldats désemparés, désorganisés, hurlant des ordres contradictoires. Les blessés sont innombrables et entassés dans l'espace confiné du métro.

Cette scène est une des meilleures scènes du film car elle fait glisser l'action vers le sommet du film : la fuite à découvert. Alors que tout semble se dérouler positivement et que les héros s'échappent de la zone en hélicoptère, l'inimaginable se produit : le monstre les attaque.

Les effets spéciaux sont étonnants et réellement efficaces, même si on a vraiment l'impression d'être dans un jeu vidéo et moins dans un film. Et, alors qu'on croit que tout se termine pour les quelques survivants de la soirée, le clap de fin est instantané.

Puis, comme pour une bande vidéo familiale où ce qu'on filme écrase une précédente vidéo, lorsque l'action s'arrête elle laisse la place à quelques scènes non effacées en fin de bande où l'on revoie le couple amoureux flânant dans New York, par une journée ensoleillée, calme et idyllique.

« Cloverfield » m'a fait passer une bonne soirée malgré un scénario minimaliste et un look de jeu vidéo à la troisième personne. Il s'agit d'un bon film d'action, honnête et bien interprété, même s'il ne me laissera pas forcément beaucoup de souvenirs.

Dexter : saisons 1 à 3

darthbob — 2009-09-04T00:30:00Z

Que feriez-vous si votre jeune fils s'avérait être soumis à des pulsions meurtrières incontrôlables ? Votre amour s'éteindrait-il d'un coup ? Quelle solution pourriez-vous lui apporter ?

Ces questions, Harry Morgan se les ait posé toute sa vie. A commencer le jour où il a eu la confirmation que son fils Dexter tirait satisfaction de la mort d'animaux, qu'il ne pouvait contrôler cette envie irrépressible d'ôter la vie à d'autres êtres et qu'il finirait un jour par tuer un humain !

Morale, code et éthique

Après mûre réflexion, ce père policier, droit et respecté, a pris la décision de taire ce qu'il savait et de tenter de venir en aide lui-même à Dexter. Il a exigé de lui une honnêteté totale et une confiance de chaque instant. L'objectif était de comprendre ces pulsions pour pouvoir les maîtriser, d'une façon ou d'une autre, sans nuire à quiconque.

C'est ainsi que s'est élaboré, petit à petit, le « code de Harry » qui sert de fondation à la vie de Dexter Morgan, devenu adulte et parfaitement intégré à la société. Jusqu'à sa mort, Harry a inculqué à son fils un code moral basé sur des règles simples :

Dexter peut tuer des humains à la seule condition qu'il ait la certitude absolue qu'ils aient eux-mêmes commis des meurtres ignobles et échappent à la justice
Dexter doit garder le secret sur ses activités
Dexter ne doit en aucun cas enfreindre les deux précédentes règles

Avec l'enseignement de Harry, Dexter acquiert également la maîtrise de l'enquête policière, de la filature. Il entame une carrière dans la police scientifique, en tant que spécialiste de l'étude des gouttes de sang. Il sait mieux que quiconque deviner le déroulement d'un meurtre à partir des traces laissées par le sang répandu sur la scène.


Dexter analyse les traces de sang sur les scènes de crime

De ce fait, Dexter Morgan devient un respectable scientifique de la police de Miami, inséré parfaitement dans l'équipe d'enquêteur, efficace et travailleur, le jour. La nuit, il assouvit ses pulsions meurtrières en pistant certains malfaiteurs en fuite ou relâchés par la justice afin de les tuer.

Les créateurs de la série « Dexter » ont fait très fort en adaptant le personnage des livres de Jeff Lindsay. Ils ont fait le pari que les téléspectateurs adhèreraient à un personnage central serial killer !

Car, peu importe le code de Harry. Dexter tue. Il ôte la vie à des personnes de façon violente et sanglante. Il aime plonger son regard dans les yeux de ses proies au moment de frapper le coup mortel.

Certes, il ne les fait pas souffrir. Elles meurent quasi instantanément. Mais, il suit un rituel obsessionnel : d'abord les capturer en les endormant par une injection d'un produit ultra-rapide. Il les emmène dans un lieu isolé où il pourra œuvrer, les enveloppe dans un carcan de papier adhésif résistant et les allonge sur une table. Il attend patiemment le réveil de son prisonnier et lui explique la raison exacte de sa présence. Puis, il prélève une goutte de sang pour sa collection personnelle et il tue.


Un trophée de plus pour la collection de Dexter

Tout est là : le prédateur invisible, patient, méticuleux qui a un rituel, un mode opératoire dont il ne dévie pas. Il prélève des trophées sur ses proies pour pouvoir revivre leur mort à volonté. Dexter est un vrai serial killer, pas un tueur de pacotille.

Et malgré cela, malgré la répulsion, le dégoût, on adhère à l'histoire et on suit les aventures du personnage ! On le trouve sympathique et on vibre avec lui lorsqu'il est pourchassé par la police !

Dexter, personnage atypique

Dexter ne se réduit pas à ses pulsions morbides. Il a un autre problème de taille : il ne ressent strictement aucune émotion. Ce n'est pas que ça le gêne vraiment, c'est juste que cela perturbe beaucoup ses relations sociales.

Il a dû très tôt développer une capacité à deviner l'attitude correcte à avoir face à un interlocuteur. Car, il ne sait pas être spontané. Il n'a pas de compassion, d'amour, d'amitié, de joie, de peine, de jalousie ou de haine… Il ne sait pas faire la différence, alors, il apprend de son entourage.

Il simule l'amour avec sa famille, surtout sa sœur Debra. Il simule également l'amour avec Rita, une mère de famille, qu'il choisit comme compagne idéale : elle refuse l'acte sexuel en raison d'un ex-mari violent qui lui en a fait baver.

Dexter simule l'attitude du bon copain avec ses collègues ou la tristesse quand quelqu'un lui confie ses peines de cœur. En voix off, on l'entend commenter la scène comme un match de foot en contradiction totale avec son visage, reflétant l'attitude parfaitement adaptée à la situation.


Dexter le gentil collègue offrant des donuts

Les seuls moments où Dexter se laisse aller sont peu nombreux : lorsqu'il tue ou lorsqu'il sort tout seul en mer sur son bateau, loin de tout, et qu'il peut ôter son masque.

Il s'avère très manipulateur. Il excelle pour mentir aux gens et leur faire croire n'importe quoi. De ce fait, il se crée des alibis en béton, parvient à s'introduire n'importe où par le bluff, sait désarmer les conflits avant qu'ils ne s'enveniment.

Michael C Hall, qui interprète Dexter, possède un physique parfaitement adapté au personnage : taille moyenne, carrure normale, pas de particularité notable, un sourire charmeur mais pas trop, il sait se fondre dans le décor si besoin ou faire du charme si nécessaire.

Par son jeu tout en finesse l'acteur parvient à nous montrer toutes les facettes du tueur : patient, intelligent, baratineur, efficace et en même temps doté d'une tête sympathique passe partout.

Il a d'ailleurs un sourire parfait, indéfinissable qui s'adapte à toutes les situations. Ainsi, selon l'interlocuteur et la situation, ce sourire peut vouloir dire : « je suis content » ou « je suis ennuyé » ou « je réfléchis » ou même « je suis agacé » ! Pratique, lorsqu'on ne ressent pas d'émotion et qu'on ne sait pas comment réagir dans certains cas périlleux !

Debra Morgan

Dexter a été recueilli par Harry Morgan suite au meurtre de sa maman. Devenu son fils adoptif, il a donc hérité d'une nouvelle maman et d'une demi-sœur Debra. Puis, leurs parents sont décédés. Dexter et Debra sont ensuite entrés tous deux dans le même bureau de police de Miami.

Debra se destine à être inspecteur de police. Elle suit pas à pas les traces de son père. Elle est magnifiquement interprétée par Jennifer Carpenter qui lui donne un physique charmant doublé d'un caractère de cochon !

Debra est à la fois un garçon manqué, jurant comme un charretier, pas diplomate et toujours prête à boire une bière avec les collègues et aussi une vraie femme, avec un grand cœur et des envies simples de construire sa vie.


Debra Morgan, soeur de Dexter

Elle entretient une relation étrange avec son frère. Elle l'adore, se raccroche à lui comme à une bouée lorsque ça ne va pas mais elle est toujours prête à l'engueler lorsqu'il n'a pas la réaction appropriée face à ses confidences.

Elle sent que quelque chose d'étrange s'est joué entre Harry et Dexter. Elle est à mille lieues de savoir quoi mais elle demande parfois à son frère de quoi il retourne et il esquive les questions.

Le personnage de Debra est aussi intéressant que celui de Dexter. Il contrebalance la noirceur de l'un par la droiture de l'autre, sa générosité, son besoin de justice et d'intégrité. Elle éprouve des sentiments puissants pour ses amis et aussi pour ses amants. Trop même car elle subit en retour beaucoup de peine et de déception, jusqu'à être manipulée à son tour par un homme qui profite de son cœur.

Des scénarios excellents

La série « Dexter » repose sur des personnages solides mais aussi sur des histoires passionnantes et pleines de rebondissements. La première saison décrit les amis et collègues de Dexter et Debra et leurs habitudes de travail.

Ils travaillent d'arrache-pied pour démasquer un tueur redoutable qui effraie Miami : le tueur au camion frigorique. L'inspecteur Doakes a de plus pris en grippe Dexter et le harcèle de questions. Il se doute que Dexter cache un secret pas net mais ne sait pas lequel.

De coups de théâtre et final palpitant, on assiste à toute l'habileté de Dexter pour déjouer les pièges et retomber sur ses pieds ! Car il fait la connaissance un homme qui le poursuit et semble le connaître aussi bien que lui-même.

Dans la saison 2, Dexter est confronté à l'inspecteur Doakes et à une étrnage femme qui l'entraîne dans ses filets. Ces deux personnes vont obliger Dexter à enfreindre une loi du code de Harry pour se protéger et conserver son anonymat de tueur en série.

Dans la saison 3, toujours aussi palpitante, c'est un procureur qui découvre la vraie nature de Dexter et l'invite à partager ses secrets, comme un véritable ami, l'acceptant tel qu'il est. Complètement déstabilisé par l'irruption dans sa vie d'une amitié dévorante, Dexter devra prendre des décisions importantes pour sa propre vie.

Parallèlement à ces fils conducteurs, Dexter établit une relation avec Rita et ses enfants. Il s'engage, fait des promesses, dépasse son insensibilité au sexe pour cette femme qu'il ne peut aimer mais qu'il juge parfaite pour lui, pour sa sécurité et sa couverture.

D'une façon logique et terre à terre, Rita et ses enfants constituent une famille idéale, toute ce qu'un homme normal peut rêver dans sa vie. Dexter ne peut se résoudre à quitter Rita car elle le rapproche au plus près de la normalité et lui amène une certaine paix et une impression de faire le bien, de rendre des gens heureux, de protéger une famille.

Dès lors, puisqu'il ne faut pas oublier que Dexter est un serial killer, qui tue des meurtriers certes, mais qui tue toute même, on peut comprendre comment les serial killers parviennent à se fondre dans la population, parfaitement insérés, mariés, avec des enfants, des collègues à inviter au barbecue le dimanche.


Dexter en plein rituel de mise à mort

Dexter démontre qu'il peut être facile de jouer la comédie si ceux à qui on s'adresse veulent croire vos discours. Rita accepte que Dexter conserve son propre appartement, qu'il passe certaines nuits dehors, invente une addiction à la drogue…

Dexter est terrible car il prouve que tous les humains sont faibles, influençables, dirigés par leurs émotions et non par leur raison. Et que mis en présence des quelques humains diaboliquement intelligents, dénués d'émotions et capables du pire, il ne sont que des proies faciles à berner et constituent en quelque sorte une réserve de gibier, prêt à se faire manger tout cru.

Dexter (USA)
Série TV créée par James Manos Jr
Saisons : 4
Principaux acteurs :
Michael C. Hall,
Julie Benz,
Jennifer Carpenter,
Erik King,
Lauren Vélez,
David Zayas,
James Remar

Kasabian : The West Rider Pauper Lunatic Asylum

darthbob — 2009-08-30T01:05:00Z

Voici l'album tant attendu de Kasabian : « The West Rider Pauper Lunatic Asylum », sorti à la mi 2009. Une réussite indéniable à mon sens, dépassant mes espérances. Le groupe anglais avait depuis leur début suscité mon intérêt puis avait confirmé avec un déjà excellent « Empire ».

« The West Rider Pauper Lunatic Asylum » consacre Kasabian comme un groupe majeur de la décennie ! Bien que discrets en France, ils font un tabac au Royaume Uni, et c'est mérité. Cet album démontre leur talent pour les mélodies pop et les arrangements aux petits oignons. Un album actuel, aux multiples sources d'inspiration (hip hop, electro, gospel, jazz, folk...) qui après plusieurs dizaines d'écoutes me surprend encore.


Le groupe Kasabian

Impossible de se lasser de titres comme « Underdog », le premier de l'album. Il ouvre le bal d'une puissante guitare saturée et une mélodie accrocheuse. Le chanteur joue avec les changements de rythme et d'ambiance, les chœurs, les instruments et les synthés. « Underdog » annonce la couleur : cet album est conçu pour les stades anglais, rempli à ras bord. Du show, du son, du rock anglais !

Puis, Kasabian s'amuse à créer une chanson sonnant comme un vieux 33 tours : « Where did all the love go ? ». Là encore, bien que moins puissante, le titre crée une harmonie entre le chant, les chœurs, les rythmes entremêlés et les guitares ! L'envie de danser nous prend, Kasabian nous invite sur la piste.

Passons sur « Swarfiga », qui ressemble à un interlude sans parole, exercice de style pour nous faire patienter avant l'excellent « Fast fuse », dans la même veine qu'Underdog. On est au cœur de l'album : puissance maximum. Kasabian crée un titre parfait pour les concerts. Nul doute que les fans se déchaîneront sur ce rythme répétitif redoutable et reprendront les paroles comme un hymne de football !

Mais, Kasabian sait aussi ménager des pauses plus calmes, telles « Take aim », plus classiquement pop. Le chanteur s'amuse à chanter sur un ton particulier. Là encore, rien à dire. La mayonnaise prend. Tout parait d'une simplicité enfantine alors que le mélange de rythmes, de samples, et de voix est bien plus difficile à faire qu'on ne le croit.

Et, comme Kasabian ne se limite pas aux titres dance ou rock, il crée des ambiances old school : « Thick as thieves » surprend par son introduction à la guitare sèche et au chant clair de Tom Meighan. Il y a du Beatles dans l'air, normal pour un groupe anglais !

Enfin, les titres comme « West Rider Silver Bullet » ou « Ladies and Gentlemen » nagent en pleine bande originale de « Pulp Fiction » ! Mais avec une sonorité asiatique originale ou une voix mielleuse, tel un crooner cinquantenaire, Kasabian surprend par son parti pris de créer ce qu'ils veulent et ne pas céder à la facilité.

Puis, le groupe est capable de nous en mettre plein les oreilles, de faire vibrer les dance floors et nous donner envie de nous jeter dessus pour des fêtes endiablées. « Vlad the impaler » est à ce titre une réussite parfaite de mélange de dance et de rock ! A écouter le son au maximum, pour saturer les enceintes et s'éclater au maximum.


Kasabian : Vlad the Impaler

On retiendra cette phrase tirée de cette chanson dédié au monde de la nuit, aux vampires éternels : « We need to raise the dead, we need to raise the people ! ». Elle sonne à la fois comme une incantation de Dracula mais aussi comme une invitation à se bouger le cul pour danser avec Kasabian !

« Secret alphabets » et « Fire » suivent Vlad mais n'en atteignent pas la puissance et sont plus du pop rock classique où le chanteur joue à démontrer différentes facettes de son talent. Je ne comprends d'ailleurs pas que « Fire » ait été choisi comme première sortie en single de l'album.

« Happiness » clôt l'album en beauté. Le groupe nous délivre un titre tout en douceur, langoureux, comme un au revoir, mais un au revoir joyeux et optimiste ! Les chœurs gospel magnifiques donnent des frissons et les paroles toutes simples sonnent juste.

En définitive, j'ai peu de critiques à formuler sur « The West Rider Pauper Lunatic Asylum ». La quasi totalité des chansons est simplement excellente. Cet album est donc à ranger parmi mes albums majeurs de la décennie. Oui, Kasabian grandit d'albums en albums, en gardant une part de mystère en France où il n'occupe pas le devant de la scène. Tant mieux.

The West Rider Pauper Lunatic Asylum (GB, 2009)
de Kasabian
Titres :
"Underdog"
"Where Did All The Love Go ?"
"Swarfiga"
"Fast Fuse"
"Take Aim"
"Thick As Thieves"
"West Ryder/Silver Bullet"
"Vlad The Impaler"
"Ladies & Gentlemen (Roll The Dice)"
"Secret Alphabets"
"Fire"
"Happiness"

Lost - Saison 4

darthbob — 2009-08-27T05:52:00Z

La quatrième saison de l'excellente série télévisée « Lost » est terminée depuis longtemps. Il convient pourtant d'y revenir sérieusement avant que la cinquième saison ne démarre !

Jouer avec le temps

Nous avions quitté les disparus du vol 815 d'Oceanic Airlines alors qu'ils affrontaient les Autres et qu'on laissait entrevoir des bribes du futur où quelques uns d'entre eux semblaient s'être échappé de l'île.

La saison 4 redémarre exactement dans la continuité de la troisième, tout en supprimant les flashbacks. Les scènes intercalées dans l'histoire ne disparaissent pas mais sont essentiellement des scènes qui se passent dans le futur (des flash forward).

La narration de l'histoire bouleverse une fois de plus les téléspectateurs qui se voient obligés de surfer sur les vagues temporelles : si untel est échappé de l'île, pourquoi celui-ci ne semble pas l'être ? pourquoi Kate semble avoir récupéré Aaron et prétend être sa mère ?

Les scénaristes ont trouvé une technique originale pour une série télévisée qui permet de renouveler l'intérêt de Lost ! Ce n'était pas évident au départ…

Ils profitent d'ailleurs de cette technique pour jouer avec nos nerfs et ménager des surprises. Ainsi, un épisode mêle des flashbacks et des flashforwards tout en faisant croire qu'ils se déroulent à la même époque. On assiste donc à des scènes où Jin se prépare à l'accouchement de Sun et d'autres où Sun accouche réellement mais les premières se passent avant le crash et les autres après !


desmond et Sayid font un concours de barbe et cheveux longs

Un autre jeu temporel décrit Desmond en pleine confusion mentale. Son esprit joue au yo-yo alternativement entre l'année 2004 et l'année 1996, alors qu'il se trouvait en Angleterre. Défiant toute logique spatio-temporelle, il est obligé de confier à Penny en 1996 qu'elle doit conserver un numéro de téléphone, quoiqu'il arrive, pour qu'il la contacte en cas de besoin. Ainsi, huit ans plus tard, en plein semoule du cerveau, il parvient à l'appeler sur ce numéro, ce qui a pour effet miraculeux de le rétablir !

Cet épisode confus qui n'apporte pas grand-chose au récit des disparus semble être un pur exercice de style pour les scénaristes et une parenthèse étrange. Les saisons suivantes apporteront peut être d'autres éléments à ce sujet…

Double suspense

Souvenez-vous, Lost a permis d'accrocher les spectateurs par des moyens simples et efficaces (compte à rebours dans la saison 2, mort imminente de Charlie dans la saison 3). Dans cette saison, les scénaristes ménagent un double suspense :

les survivants réussiront-ils à s'échapper de l'île grâce à l'hélicoptère et au bateau qu'ils ont repéré ?
dans le futur, qu'arrive-t-il aux six rescapés du vol 815 ?

Le premier suspense est mené de façon efficace et classique. A la manière d'une série d'action : prise d'otage, violence, interrogatoires, rebondissements en tout genre ! Tout est toujours nickel et sans reproche.


Juliet accueille des touristes en vacances sur l'île

On a même droit à des morts ! Et pas forcément des nouveaux personnages. Il semble que les scénaristes aient délibérément pris leur parti de sacrifier des personnages pour rendre crédible leur histoire.

Cela augmente l'intensité du suspense car on n'est jamais sûr qu'un personnage auquel on s'est attaché ne va pas mourir brutalement. Après Charlie, c'est Rousseau et Michael qui passent à la trappe !

Concernant le suspense du futur, il faut avouer qu'il est total. On est manipulé du début à la fin. Il faut réapprendre les relations entre personnages : qui est méchant ? qui est gentil ? Pourquoi Sayid et Ben semblent alliés ? Pourquoi Kate et Jack se font la gueule ? Pourquoi Hurley est tétanisé dans un asile psychiatrique ? Pourquoi Locke est dans un cercueil ?

Encore plus d'énigme !

Vous croyiez que la saison 4 apporterait des réponses ? Naaan ! Elle apporte encore plus de question sur les énigmes de l'île…

De façon toujours surprenante, on voit des miracles se produire sur ce foutu caillou au mileu de l'océan. Ben semble parvenir à voyager dans le temps et l'espace pour se retrouver dans le désert tunisien !


Ben se retrouve dans le désert !

Lorsqu'on veut se rendre sur l'île en hélicoptère ou en bateau, il ne faut pas se fier au compas et à la boussole ! Des perturbations électromagnétiques semblent rendre chaotique le voyage et rendent l'entrée et la sortie vers l'île très périlleuses… Ce qui peut expliquer la difficulté pour la localiser et pour retrouver un avion écrasé mais n'explique pas l'origine de ces phénomènes…

Mais, c'est là que ça se complique encore. L'île semble avoir un pouvoir permanent sur ceux qui foulent son sol. Dans les scènes du futur, Hurley a des visions et discute avec Charlie, le plus naturellement du monde, Sun a un bébé alors qu'elle ne pouvait en avoir, Michael semble ne pas pouvoir mourir tant que l'île ne lui permet pas !

Les hypothèses peuvent donc fleurir car la solution est loin d'être dévoilée. Côté Autres et Projet Dharma, on progresse lentement. On voit Locke enfant se faire expertiser pour savoir s'il a des connaissances ou des dons extraordinaires par un mystérieux scientifique. Les objets qu'il lui montre ont tous un lien avec l'île !


Finalement, c'est Locke qui est dans le cercueil...

Enfin, d'autres révélations sur les relations entre passagers du vol 815 laissent supposer que leur présence dans l'avion n'était pas une coïncidence. Mais, il faut l'avouer, cela ne permet pas d'avoir le commencement d'une piste !

Attaquons la saison 5 !

Lost, les disparus (USA, 2004-2009)
Titre original : Lost
Créateurs : J.J. Abrams et Damon Lindelof
Saisons : 4
Principaux interprètes :
Jack : Matthew Fox
Kate : Evangeline Lilly
Sayid : Naveen Andrews
Locke : Terry O'Quinn
Charlie : Dominic Monaghan
Sawyer : Josh Holloway
Hurley : Jorge Garcia
Sun : Yunjin Kim
Jin : Daniel Dae Kim
Claire : Emilie de Ravin
Desmond : Henry Ian Cusick
Ben : Michael Emerson
Juliet : Elizabeth Mitchell

Gran Torino

darthbob — 2009-08-23T12:47:00Z

Clint Eastwood a entamé depuis plusieurs films, une réflexion sur la trace que peut laisser une personne, au soir de sa vie, à ses amis, ses enfants ou sa communauté. Impossible de visionner « Gran Torino » sans penser que le personnage principal qu'il interprète ne soit aussi un prolongement de lui-même.

L'acteur-réalisateur incarne un vieil homme, Walt, qui accuse bien son âge, venant de perdre sa femme. Il se retrouve seul dans sa grande maison dans un vieux quartier en plein bouleversement. En effet, la communauté asiatique rachète petit à petit les maisons avoisinantes et l'homme se retrouve le dernier blanc de la rue.


Walt se retrouve seul, chez lui et dans son quartier

Or, il se trouve que Walt est un américain de la vieille école, celle que Clint Eastwood a affectionné durant des décennies à travers ses films et les rôles qu'il a interprétés : éducation sévère, intransigeance, sexisme, racisme ordinaire, adepte de l'auto-défense et du chacun chez soi… Pas vraiment le voisin idéal si on est né ou si nos parents sont nés en dehors des USA.

Un duo improbable

Avec « Million dollar Baby », Clint Eastwood avait bouleversé les spectateurs par une relation intense entre un vieil entraîneur macho et une boxeuse hargneuse. Avec « Gran Torino », il parvient une nouvelle fois à nous époustoufler avec la relation qui se noue entre le vieux raciste blanc et un jeune voisin d'origine asiatique !

Comme un prolongement du diptyque « Mémoires de nos pères » et « Lettres d'Iwo Jima » , la répulsion/attirance qui se noue entre Walt et Thao reflète les relations tumultueuses entre USA et Asie (Japon, Vietnam, Corée et Chine d'aujourd'hui). Il décrit lucidement le racisme d'un blanc, sûr de lui, plein de rancœur face à la guerre de Corée, ne comprenant pourquoi ces personnes s'installent « chez lui » alors qu'elles l'ont chassé de « chez eux ».

Avec beaucoup d'humour, et tout en finesse, les relations entre le vieil ours et la famille voisine vont s'améliorer. On découvrira alors les us et coutumes de chacun, les ressemblances et les différences qui existent. A travers la nourriture ou les services qu'ont se rend entre voisins, petit à petit, Walt comprend que ses « étrangers » sont aussi civilisés que lui, qu'ils ont des valeurs, certes différentes mais qu'elles sont liées aux traditions et sont aussi respectables que les siennes…

Lorsque que le jeune « Thao », adolescent timide de la famille voisine doit subir une corvée d'une semaine au service de Walt, les deux hommes se regardent en chien de faïence. Toutefois, à force de patience, ils comprendront que l'autre est également un humain digne d'intérêt, qui recèle en lui, bien caché, une certaine bonté d'âme.


Walt et Thao apprennent à se connaître

Il n'était pas aisé de rendre crédible un tel duo. Cela pouvait tourner au duo comique avec des blagues ethniques faciles et creuses. Ce n'est absolument pas le cas ! Le réalisateur peaufine les personnages et les silences sont bien plus importants que les dialogues. Et, les paroles étant rares, elles révèlent beaucoup des personnages et de leur psychologie.. Du grand art.

Des relations filiales

Walt et Thao vont apprendre à se respecter et aussi, en quelque sorte, à s'aimer. Oh ! Pas d'effusions, d'embrassades ou de déclarations intempestives ! Pas de ça entre mecs. Non, il s'agit de regards de fierté dans les yeux du vieux ronchon lorsque le jeune Thao parvient à décrocher un emploi, invite une fille à sortir malgré sa timidité. Il s'agit pour Thao de témoigner d'une amitié simple et réelle pour son voisin : bichonner sa voiture (la Gran Torino !) ou simplement s'inquiéter pour sa santé.

Dès lors, on comprend mal pourquoi Walt n'entretient pas des relations aussi fortes avec ses propres fils ! Car il a deux garçons, mariés et pères de nombreux enfants. Ils ont réussi dans la vie et devraient susciter beaucoup de joie et de fierté de la part de leur père…

Mais ce n'est pas du tout le cas. Dès l'enterrement de leur mère, ils font preuve d'une réserve et d'une froideur face à leur père qui laisse deviner beaucoup de tension et d'incompréhension. D'autres scènes, courtes mais réussies, suffisent à décrire les liens entre Walt et sa famille : inexistants.

A ce titre, je ne citerai qu'une scène mémorable : celle de l'anniversaire de Walt où un de ses fils, accompagné uniquement de son épouse, lui offre des cadeaux adaptés aux personnes âgées. Puis, au moment de souffler la bougie, il entame un discours ahurissant sur les maisons de retraites ! Walt ne dit rien et écoute mais son visage en dit long devant la vision que son fils a de lui : un vieux crouton impotent et presque sénile…

Cette scène rappelle une scène aussi hallucinante de « Million dollar baby » où les parents de la boxeuse lui rendent visite à l'hôpital. L'entraîneur interprété par Eastwood découvre alors une bande d'ahuris plus intéressés par leurs vacances que par leur parente en détresse. Le réalisateur égratigne le mythe de la famille américaine, pilier de la nation et toujours vue positivement à Hollywood comme le refuge en cas de problème (même si cela est en train de changer, notamment avec la série « Desperate Housewives »).

Finalement, Walt voyant la fin de sa vie approcher à grand pas, peut être a-t-il plus de patience, plus d'ouverture d'esprit qu'il en a témoigné à ses enfants lorsqu'ils étaient jeunes ? Il prend le temps de partager des activités avec Thao, de lui enseigner des choses qu'il n'a peut être jamais envisagé de partager avec ses fils (le bricolage, la mécanique, le langage, la recherche d'un boulot…). La rigidité absurde dont il fait preuve est mise à mal mais, finalement, il parvient à passer au dessus et à trouver le ton juste pour Thao.

On a beaucoup de joie à voir ce personnage raciste et intolérant envers les jeunes s'améliorer et accepter les différences de Thao. Mais, on ressent aussi de la tristesse car cela n'est peut être dû qu'à la peur de mourir seul, à l'angoisse refoulée d'avoir rater une partie de sa vie avec ses enfants et aussi de s'être enfermé dans un monde factice et rigide , par peur de l'inconnu et des étrangers…

Les communautés

Parce que Clint Eastwood est américain, lucide et courageux, il ne passe pas sous silence les travers de son pays et la violence qui y règne. Tout le monde en prend pour son grade !


Walt et son coiffeur : des poètes !

Walt est blanc et raciste et il côtoie d'autres blancs qu'il traite d'une manière peu commune ! Il assimile ses vieux amis à la communauté d'où ils sont issus : irlandais, juifs ou ritals. Les vannes fusent entre eux au sujet des travers de chacune de ces communautés, comme s'il était normal de se balancer des injures à longueur de temps, que cela faisait partie du folklore américain… Mais, cela ne fait que répéter inlassablement des rengaines racistes et méprisantes qui perdurent sans aucune raison…

Les scènes où Walt apprend à Thao à parler comme il le fait avec son ami coiffeur ou lorsqu'il lui présente un ami pour une embauche sont très réussies car elles nous en apprennent plus sur l'acceptation d'un étranger dans une communauté hermétique que beaucoup de discours. L'argot, les tournures de phrases et les mots sont très importants mais ce qui compte surtout c'est d'être introduit par quelqu'un de confiance, se portant garant, et de rester soi-même, avec sa personnalité, sa conduite respectueuse et son humour.

Bien sûr, cette introduction d'un étranger dans une autre communauté joue dans les deux sens ! Walt est introduit chez les voisins par leur fille Sue. Elle lui enseigne également qu'il faut avoir une conduite respectueuse pour eux (ne pas fixer les gens, ne pas toucher la tête des enfants) tout en conservant sa propre personnalité pour y être accepté.


Walt est invité chez ses voisins

C'est la force de ce film : établir un parfait parallélisme qui prouve que chaque être humain est égal des autres, que chaque société, chaque communauté peut accepter l'autre sans heurt, si chacun fait preuve de respect et de compréhension.

Or, c'est loin d'être le cas dans la réalité, donc il ne peut en être autrement dans « Gran Torino ». Il ne s'agit pour Eastwood de faire preuve d'angélisme et de bons sentiments, il s'agit de montrer la réalité d'aujourd'hui en Amérique : les communautés comportent toutes en leur sein des éléments capables du pire contre les autres.

Les asiatiques possèdent leurs propres bandes de jeunes désœuvrés, armés, prêts à en découdre avec quiconque se met en travers de leur chemin. Ils défendent leur territoire face aux bandes d'hispaniques ou de noirs qui ont exactement le même comportement : arrogants, racistes, violents. Rien ne les différencient finalement, sauf leur couleur de peau !

Et, on apprend finalement que Walt n'a pas été forcément très différent d'eux par le passé. Certes, c'était pendant la guerre de Corée, il a été arrogant raciste, violent et capable de tuer. Et ça le hante encore chaque jour.

Comment accepter sa propre mort

Walt fait la connaissance d'un jeune prêtre à l'occasion des obsèques de son épouse. En effet, il a accompagné la vieille femme, très pieuse, lors de ses derniers jours. Il lui a même fait la promesse d'entendre son mari en confession et de veiller sur lui.

Or, le vieil homme fait comprendre au religieux que l'église n'est pas sa tasse de thé et qu'il ne veut pas suivre le même parcours que sa défunte femme. Pourtant, le prêtre va inlassablement rappeler à Walt la promesse qu'il a faite et va tenter de l'apprivoiser.

La relation en pointillé qui se construit entre les deux hommes est étrange et suit le parcours de Walt. Au fur et à mesure que ses barrières psychologiques tombent au sujet des voisins asiatiques, que Thao lui ouvre des portes jusque là inconnues, on sent que Walt est capable d'écouter, puis d'entendre le discours du prêtre.

Eastwood ne nous assène pas la promotion américaine habituelle de l'importance de la religion. Il apporte une vision humaniste de la religion dans la société : laissons ceux qui croient vivre leur foi tranquillement et acceptons l'idée qu'ils ont besoin d'elle pour vivre et peut être surtout pour accepter de mourir.

L'épouse de Walt a bénéficié des attentions du prêtre pour vivre ses derniers jours car elle en ressentait une profonde nécessité. Walt n'est finalement pas croyant mais il apprend à respecter la foi et la sincérité du jeune religieux qui lui tend la main. Il accepte de l'aider à tenir la promesse qu'il a faite à son épouse sans toutefois aller plus loin.

J'ai particulièrement été touché par la vision que Walt avait du prêtre au début de leur relation : « un jeune puceau surdiplômé tenant la main des vieilles femmes qui ont peur de mourir ». Elle m'a fait rire car je ne peux m'empêcher de la trouver très proche de ma propre vision.


Vous savez ce que vous êtes ? Un puceau surdiplômé !

Toutefois, lorsque dans une des dernières scènes du film, le prêtre répète cette phrase dans des circonstances particulières que je ne dévoilerai pas, elle a un écho bouleversant. Car elle rappelle que Walt est un homme pétri de défaut mais qu'il possède une qualité sûre : il dit ce qu'il pense en toute sincérité, au risque de blesser son interlocuteur. Mais si celui-ci écoute réellement Walt, il peut lui apprendre énormément de choses sur lui-même et sur la vie.

Les fils de Walt n'ont peut être pas eu la chance de grandir avec un père âgé. Auparavant, aucune interrogation ou remise en cause de ses choix n'était sûrement possible. Il avait raison sur tout et n'acceptait aucune contradiction de quiconque. Thao et le prêtre, eux, ont bénéficié de la vieillesse de Walt, de sa fragilité et peut être du sentiment de sa fin approchant à grand pas.

Au-delà du cas de Walt, Eastwood parvient avec force et conviction à faire réfléchir le spectateur sur la possibilité pour chacun d'entre nous de se remettre en cause, d'accepter de ne pas s'enfermer dans l'erreur ou l'intransigeance. Et surtout de penser à ce qu'on désire laisser à nos enfants, petits enfants, famille, voisins et amis lorsqu'on aura disparu.

Que penseront-ils de nous ?
Quels souvenirs garderont-ils ?
Que désirons-nous léguer et à qui ?
Quelles sont les actes forts qui resteront de notre vie ?
A qui destinons-nous les quelques biens durement gagnés par une vie de labeur ?

A qui lèguerions-nous une magnifique Ford Gran Torino ?
A quelqu'un qui comprendrait réellement la signification de ce geste et prendrait soin de ce bijou comme un prolongement de notre propre existence.

Gran Torino (USA, 2008)
Réalisé par Clint Eastwood
Scénario : Nick Schenk
D'après une histoire de Dave Johannson et Nick Schenk
Principaux acteurs :
Clint Eastwood,
Bee Vang,
Ahney Her,
Christopher Carley